Pinturas - History Lab

Íñigo López de Mendoza, II conde de Tendilla y I marqués de Mondejar

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:20:45 +0000

Íñigo López de Mendoza destacó como gran aliado del rey Fernando el Católico, siendo capitán general del Reino de Granada y participando directamente en la Guerra de Granada a finales del siglo XV. Tras la victoria es nombrado primer alcaide de Granada, puesto que copará hasta el final de su vida, compaginando la coexistencia de vencedores con vencidos y los asuntos propios de la gestión de la ciudad, como son cuestiones administrativas o económicas.
La obra original se conservaba en la antigua colección del duque de Osuna, perdiéndose su pista, pero apareciendo de forma constante en la documentación. Actualmente es más conocida la copia realizada por Francisco Díaz Carreño entre 1877 y 1878, y que se encuentra adscrita a las colecciones del Museo del Prado.
Destaca en lo pictórico tanto el retrato en sí, como la minuciosidad con que se complementa el escenario. Presenta al personaje protagonista frente a una ventana, con una granada remarcando la importancia del conflicto granadino y con elementos de mando militar significativos como el bastón en la mano y el yelmo reposando en la ventana. Estilísticamente Juan Bautista de Espinosa muestra la férrea tradición retratista de finales del siglo XVI, marcando figuras aisladas y trazados muy precisos en el dibujo.

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Santa Águeda, de Francisco de Zurbarán

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:20:45 +0000

Francisco de Zurbarán llevo a cabo entre 1598 y 1664 una serie de pinturas sobre santas vírgenes y mártires siguiendo un modelo pictórico propio que, bajo una aparente simplicidad e intención retratística directa, admite numerosas interpretaciones. Al mismo tiempo que estas representaciones muestran a las santas con aspecto de ser inmaculadas, no se ven envueltas en la simbología propia de las santas y mártires, como puede ser la postura de éxtasis mirando hacia el cielo, ni situadas en un ambiente puro que señale el ámbito sacro al que pertenecen. Además, al no ser figuras totalmente estáticas, tampoco se pueden catalogar como iconos religiosos.
Otro elemento característico de la serie a la que pertenece Santa Águeda (Museo Fabre, Montpellier, Francia) es que no se trata de cuadros narrativos, únicamente hacen referencia a los sucesos de sus protagonistas a través de sus atributos, como puede ser en este caso que sostenga sus propios pechos cortados sobre una bandeja. Zurbarán aleja a las figuras de su representación sacra aislándolas sobre un fondo neutro y las muestra directamente de frente al espectador.

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La peste de 1649 en Sevilla

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:20:37 +0000

Durante la Edad Moderna numerosas epidemias azotaron las poblaciones españolas y europeas. El cuadro mostrado, de autor anónimo, se trata de la representación de la peste en Sevilla en 1649. La obra se centra en el hospital de la Sangre y en la puerta de la Macarena; una perspectiva del área de extramuros que da muestra de la tragedia. La Junta de Salud estableció ese recinto como lugar de traslado para la asistencia o zona de enterramiento, como fueron el Prado de San Sebastián o Triana. El cuadro también nos muestra, en la zona izquierda, una procesión, mientras que la zona central está dominada por el transporte de enfermos. A la derecha se observa una mayor concentración de cadáveres. Con el elevado número de contagios y la alta mortalidad se calcula que este brote de peste, el último y más virulento, se cobró la vida de 60.000 personas en Sevilla, casi el 45% de la población de la ciudad.

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La peste de 1679 en Antequera, Málaga

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:20:37 +0000

La peste, una de las grandes amenazas para la salud pública, azotó Antequera en 1679. Tras el fuerte impacto que tuvo en la ciudad de Sevilla, reflejado en una obra pictórica anónima datada de 1649, esta ciudad malagueña siguió el mismo destino. El cuadro, óleo anónimo fechado en 1723, representa la religiosidad que cobraban estos episodios: la Virgen del Rosario aparece en la franja superior izquierda como parte de la programática religiosa. En la zona derecha aparece un arcoíris, símbolo de la misericordia de Dios, sobre una procesión piadosa. Abajo, la ciudad, bajo una lluvia de flechas que representan la peste, se desarrolla la acción. Los difuntos son apilados en fosas colectivas mientras se procede a la quema de objetos y enseres personales. Los vivos son asistidos por médicos y cirujanos, quienes realizan precarias labores medicinales para la sanación (sangrías, drenaje de bubas, gasas con ungüentos o la cauterización de heridas con hierros candentes). En suma, el autor representaba la tragedia de la peste, sus implicaciones sociales y su conexión con la mentalidad religiosa.

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Mestizaje en la sociedad americana (I)

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:18:39 +0000

Esta obra, titulada “De chino cambujo e india, loba”, representa a un grupo familiar formado por el padre, la madre y un hijo, identificados por inscripciones que hacen referencia a su grado de mestizaje a partir de los troncos étnicos indígena, europeo y africano. Estas representaciones son características de un género pictórico que se desarrolló en el Virreinato de la Nueva España a lo largo del siglo XVIII. Se conoce como «pintura de castas» y está organizado a partir de series compuestas generalmente por dieciséis cuadros en los que se ordenan las uniones más comunes. Como muestra este lienzo, perteneciente a un conjunto disperso en varias colecciones, la indumentaria y el adorno de los personajes, la actividad que desempeñan y el entorno en el que se desarrolla la acción, actúan como elementos fundamentales para identificar el estatus social de los representados. Miguel Cabrera, autor de este conjunto que firma y fecha en 1763 en el último de los lienzos, es el pintor más reconocido por sus contemporáneos y contó con un amplio número de discípulos y seguidores que a menudo se inspiraban en los propios modelos del maestro.

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Mestizaje en la sociedad americana (II)

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:18:39 +0000

Esta obra, titulada “De español y mestiza, castiza”, es una representación de la pintura de mestizaje o de castas, y supone una de las principales fuentes de información para acercarse a la vida cotidiana en el Virreinato de la Nueva España en el Siglo XVIII. Estas representaciones son características de un género pictórico que se desarrolló durante este siglo, y que se conoce como «pintura de castas». Este género solía organizarse en series de 16 escenas que muestran grupos familiares constituidos por diferentes uniones étnicas, y que responden al afán ilustrado de ordenar y clasificar la estructura social y mostrar una autoimagen de la diversidad sociocultural de la Nueva España. Es probable que estas obras se destinasen a un público extranjero. Este lienzo en concreto fue pintado por Miguel Cabrera en 1763, siendo el pintor más reconocido por sus contemporáneos. Se representa a una familia de alto rango social, según puede deducirse de la indumentaria y de los adornos que portan los personajes, quienes están parados frente a un establecimiento de venta de calzado.

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El juego de la pelota a pala

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:18:33 +0000

Goya subrayó en la factura de entrega del cartón el elevado número de figuras incluidas, cada uno ocupando su posición exacta en el juego (delantero, central y zaguero), junto a veinticinco figuras más de distintas edades y actitudes. De origen francés, los juegos de pelota se extendieron por España con gran éxito en el País Vasco, donde ya entonces cada pueblo tenía su frontón. Goya representó el momento concreto de juego, cuando la pelota, en el suelo, ha alcanzado la chaza, lugar donde se detiene la pelota antes de que llegue a la raya señalada para ganar. El tapiz resultante colgaba en el comedor de los príncipes de Asturias (el futuro Carlos IV y María Luisa de Parma).

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Camila Gonzaga, condesa de San Segundo y sus hijos

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:18:33 +0000

En la Edad Moderna son frecuentes los retratos de matrimonio y familia, lo que permite detectar formas de relación entre esposo y esposa y composiciones familiares. Este retrato de Parmigianino refleja a Camila Gonzaga, casada con el Conde de San Segundo, haciendo hincapié en su papel de madre. La iconografía de la obra refleja, parece ser que por primera vez en Italia, a una mujer rodeada por sus hijos a modo de caridad clásica. Reveladora es la dureza del rostro de la madre, con cierta sonrisa contenida, mientras los niños acercan sus manos al cordón que ciñe su cintura, considerándolo un elemento de seguridad. Da la sensación de que con uno de ellos quiere romper los lazos de dependencia, a otro parece avisarle de una posible retirada y solo deja que el más pequeño se aferre a ella. Su actitud, unida a la dirección de la mirada de los niños, deja un mensaje claro: la edad obliga a un cambio en las relaciones madre-hijo y la vida y promoción masculina van asociadas a la salida fuera del espacio doméstico.

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El cambista y su mujer

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:18:33 +0000

En las nuevas sociedades burguesas, las mujeres fueron un apoyo fundamental para el marido desempeñando la tarea de conseguir y acumular dinero. Ellas participaron en la contabilidad de los negocios de sus esposos y, en muchos casos, eran solicitadas como contables por casas mercantiles, acostumbradas como estaban al control de los libros de cuentas. Las mujeres burguesas, sin olvidar su papel de madres y esposas, desarrollaron una actividad económico-administrativa actuando en nombre del marido, pero también cuando enviudaban o asumían la herencia de un padre prematuramente fallecido. Manejaron rentas y prestaron dinero en una fase histórica en la que el dinero fue un instrumento para la acumulación de la riqueza.

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La XII Marquesa de Villafranca pintando a su marido

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:18:33 +0000

María Tomasa de Palafox, marquesa de Villafranca, recibió una esmerada educación dirigida personalmente por su madre, María Francisca de Sales Portocarreño, condesa de Montijo. La condesa fue secretaria durante 18 años de la Junta de Damas de Honor y Mérito, institución fundada en 1775 en el marco de la Real Sociedad Económica Matritense, que se implicó muy activamente en programas de reforma social (como la educación de las mujeres y la mejora de las cárceles femeninas e inclusas). María Tomasa continuó el trabajo de su madre y participó en las actividades de la Sociedad Matritense, mostrando gran interés por las nuevas ideas pedagógicas y el desarrollo científico. Así, reivindicaban los derechos de las mujeres al margen del discurso de la excelencia, que aceptaba como válida la igualdad solo para aquellas mujeres que eran consideradas extraordinarias por sus cualidades. Sin embargo, las academias artísticas, científicas o literarias no excluían a las mujeres, pero en la práctica, pocas se pudieron incorporar a ellas. La Academia de San Fernando fue una de las primeras en permitir la incorporación femenina y en 1766 contaba con diez pintoras y una presidente honoraria, la condesa de Fuentes. Frecuentemente se ponía límites a la formación pictórica y no se les permitía asistir a clases de dibujo al natural o de desnudos, ni salirse de temas «femeninos» como las pinturas de flores o paisajes.

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