Retratos - History Lab

Museo Nacional de Estocolmo. Colección.

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:22:29 +0000

El Museo Nacional de Estocolmo destaca por sus conjuntos pictóricos de arte holandés del siglo XVII y arte francés del siglo XVIII, así como por su valiosa colección de más de 2000 dibujos entre los que se encuentran autores como Rembrandt, Watteau y Manet. Otras secciones importantes son las dedicadas a la porcelana (Colección Gustavsberg) y a los retratos (Colección de Retratos Estatales). La búsqueda de elementos puede hacerse de manera simple a través del buscador o mediante temas.

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Museo Nacional de Estocolmo. Imágenes libres

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:22:29 +0000

Más de medio millón de imágenes de dominio público procedentes del Museo Nacional de Estocolmo (Suecia) para ser descargardas a través de Wikimedia Commons.

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Museo Nacional de Estocolmo. Art Bulletin.

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:22:29 +0000

El Boletín de Arte del Museo Nacional de Estocolmo se publica de manera anual y está conformado por artículos que versan sobre la historia y la teoría del Arte relacionados con las colecciones del museo. Igualmente, contiene estudios concienzudos acerca de las adquisiciones más importantes así como una relación de todas las compras y donaciones que se hayan realizado en el año de la publicación. Desde 2014 los volúmenes pueden leerse en línea y ser descargados en PDF.

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Francisco de Saavedra atribuido a Goya

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:20:51 +0000

Francisco de Saavedra fue un ilustrado sevillano que dedicando su vida a la carrera militar llegó hasta la Corte como ministro de Carlos IV durante una grave situación social que intentó solucionar a través de algunas instituciones granadinas que conoció durante su vida de formación académica en el Colegio del Sacro Monte. Aquí es precisamente donde se conserva la obra atribuida a Francisco de Goya, ya que cuando Francisco de Saavedra fue nombrado ministro de Hacienda en 1797 lo comunicó inmediatamente al Colegio, lo que supuso una gran noticia.
Tanto fue así que el 12 de diciembre de 1797 el propio rector ordenó que se le felicitase y encomendó la realización de un cuadro para festejar el nombramiento, perpetuar su figura para motivar al resto de estudiantes y como fuente propagandística para esta institución granadina. Se trata de una representación de Saavedra a cuerpo entero, sentado en una silla y vestido con el traje de capitán general.

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Santa Águeda, de Francisco de Zurbarán

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:20:45 +0000

Francisco de Zurbarán llevo a cabo entre 1598 y 1664 una serie de pinturas sobre santas vírgenes y mártires siguiendo un modelo pictórico propio que, bajo una aparente simplicidad e intención retratística directa, admite numerosas interpretaciones. Al mismo tiempo que estas representaciones muestran a las santas con aspecto de ser inmaculadas, no se ven envueltas en la simbología propia de las santas y mártires, como puede ser la postura de éxtasis mirando hacia el cielo, ni situadas en un ambiente puro que señale el ámbito sacro al que pertenecen. Además, al no ser figuras totalmente estáticas, tampoco se pueden catalogar como iconos religiosos.
Otro elemento característico de la serie a la que pertenece Santa Águeda (Museo Fabre, Montpellier, Francia) es que no se trata de cuadros narrativos, únicamente hacen referencia a los sucesos de sus protagonistas a través de sus atributos, como puede ser en este caso que sostenga sus propios pechos cortados sobre una bandeja. Zurbarán aleja a las figuras de su representación sacra aislándolas sobre un fondo neutro y las muestra directamente de frente al espectador.

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Las bodas de Caná

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:20:30 +0000

Inmensa pintura de Paolo Caliari el Veronés, destinada al refectorio del monasterio de San Giorgio Maggiore en Venecia. El episodio del Nuevo Testamento se enmarca en una fastuosa arquitectura palladiana y entre los invitados retrata a soberanos, artistas y a sí mismo entre los músicos. Mezcla la narración bíblica con anacronismos que reflejan la apoteosis del arte veneciano.

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Retrato de Bernardo Muñoz

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:19:31 +0000

En la imagen se retrata al ensayador de oro y plata, Bernardo Muñoz. En la parte superior de la imagen podemos leer: “Situazion en la que D. Bernardo Muñoz egecuta los ensayes de oro i plata – i su retrato”. El retrato de este ensayador, una de las figuras más destacadas del organigrama de las corporaciones plateras en la Edad Moderna, dedicado al reconocimiento de la calidad de las piezas, se nos presenta como una imagen de gran interés por dos cuestiones: la primera porque nos permite observar el espacio de trabajo donde desempeña sus labores como ensayador; la segunda porque se convierte en un excelente recurso para analizar elementos vinculados con la vida cotidiana y las costumbres del momento. En este sentido, la imagen permite analizar el ademán de la propia figura, así como algunos elementos representativos como la peluca que porta y sus ropajes, propios de un personaje de solvencia económica que se asimila más a un artista que a un artesano manufacturero.

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La familia de Felipe V

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:19:15 +0000

La obra de Van Loo muestra al rey Felipe V con su segunda esposa, Isabel Farnesio, que aparece en el centro de la composición. Junto a ellos, aparecen sus descendientes, el futuro Fernando VI (hijo de su primer matrimonio con María Luisa Gabriela de Saboya) y Carlos III, acompañados de sus esposas. Se observan actitudes contrastadas: el agotamiento de Felipe V frente a la plenitud de Isabel Farnesio, la elegancia de Fernando VI o la presencia del entonces rey de Nápoles, Carlos III. En el conjunto de la obra se excluye la profundidad psicológica de los retratados. La obra, además del valor genealógico que aporta, recuerda a la organización de pinturas de conversación holandesas en donde se muestra a la famiilia como institución pública. A nivel artístico, enmarca la evolución de la escuela francesa con la apoteosis del retrato colectivo y una concepción notoriamente más desarrollada que las pinturas anteriores de Rigaud, Mignard o Largillerre.

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La familia de Carlos IV

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:19:15 +0000

La familia de Carlos IV pertenece a una serie de retratos reales iniciada por Goya en 1799, en vísperas del Consulado de Napoleón, que prometía la pacificación de la tumultuosa década pasada. Goya colocó a los catorce personajes representados en un austero interior sin alfombras, decorando únicamente la pared del fondo. El cuadro se basa, como se ha afirmado frecuentemente, en Las Meninas de 1656. Las modificaciones que realiza el artista zaragozano se diferenciaron de los detalles velazqueños como la definición del espacio (nulo en esta obra) o la estrecha relación de los personajes de Velázquez en contraposición a las representaciones introspectivas de la familia de Carlos IV. En el centro del cuadro destaca la figura de la reina, vestida como las demás infantas con un brillante traje a la moda francesa, sobre el que ostenta la banda de la real orden de Damas Nobles fundada por ella misma en 1794. A ello se le debe añadir que imita la postura de la infanta, lo que varios historiadores consideraron como una sátira a la reina por su avanzada edad. Emergido de la penumbra aparece Fernando vestido con el color azul del principado de Asturias. Le coge por la cintura su hermano, Carlos María Isidro, curiosa actitud que podría interpretarse como una predisposición a suceder, llegado el caso, a Fernando, y que parece anunciar su intención en 1833 de reclamar el trono destinado a su sobrina Isabel, hecho que conduciría a las futuras guerras carlistas. La dama de perfil perdido representa a la futura esposa de Fernando, quien se piensa que sería Carolina de Sajonia-Weimar, hasta que en 1802 fue María Antonia de Nápoles. El rey Carlos IV aparece vestido con un traje de gala, toisón de oro, y bandas y placas de la orden de Carlos III, la napolitana San Genaro y las cuatro órdenes españolas (Santiago, Montesa, Calatrava y Alcántara).

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Mestizaje en la sociedad americana (I)

ad_hlab_min — Tue, 12 Apr 2022 18:18:39 +0000

Esta obra, titulada “De chino cambujo e india, loba”, representa a un grupo familiar formado por el padre, la madre y un hijo, identificados por inscripciones que hacen referencia a su grado de mestizaje a partir de los troncos étnicos indígena, europeo y africano. Estas representaciones son características de un género pictórico que se desarrolló en el Virreinato de la Nueva España a lo largo del siglo XVIII. Se conoce como «pintura de castas» y está organizado a partir de series compuestas generalmente por dieciséis cuadros en los que se ordenan las uniones más comunes. Como muestra este lienzo, perteneciente a un conjunto disperso en varias colecciones, la indumentaria y el adorno de los personajes, la actividad que desempeñan y el entorno en el que se desarrolla la acción, actúan como elementos fundamentales para identificar el estatus social de los representados. Miguel Cabrera, autor de este conjunto que firma y fecha en 1763 en el último de los lienzos, es el pintor más reconocido por sus contemporáneos y contó con un amplio número de discípulos y seguidores que a menudo se inspiraban en los propios modelos del maestro.

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